Алдошин Даниил
Алдошин Даниил (Daniel Doshe). Родился в республике Коми РФ (1976 год).
Живет и работает в Москве. Начал рисовать графику еще в школе.
Окончил Школу-студию МХАТ — художник-технолог театрального костюма.
До сегодняшнего дня сотрудник Большого театра. Занимает руководящую должность. Выступал как художник-
технолог театрального костюма для спектаклей из репертуара театра в 2006-2011 г.г.
Техника, которую использует для написания картин заключается в продавливании краски сквозь мешковину.
Так как в творчестве преследует и продолжает восточные философии — это придает поверхности фактурный
эффект земельного вспахивания или сбора урожая в Азии.
Даниил черпает вдохновение из современного корейского искусства.
Алдошин Даниил (Daniel Doshe). Родился в республике Коми РФ (1976 год).
Живет и работает в Москве. Начал рисовать графику еще в школе.
Окончил Школу-студию МХАТ — художник-технолог театрального костюма.
До сегодняшнего дня сотрудник Большого театра. Занимает руководящую должность. Выступал как художник-
технолог театрального костюма для спектаклей из репертуара театра в 2006-2011 г.г.
Техника, которую использует для написания картин заключается в продавливании краски сквозь мешковину.
Так как в творчестве преследует и продолжает восточные философии — это придает поверхности фактурный
эффект земельного вспахивания или сбора урожая в Азии.
Даниил черпает вдохновение из современного корейского искусства.
Происхождение: собственность автора
Концепция проекта, показать что человек не отделен от природы, в встроен в нее. Встроен в ее ритмы, паузы и сопротивления. Непосредственно как форма, он существует не над ней, а внутри самой природы.
Балдина Евгения
Балдина Евгения — художник, чей творческий путь начался не в академических мастерских, а в промышленном городе Березники. В 1998 году она поступила в Нижнетагильский государственный институт на художественно-графический факультет, получив диплом учителя рисования и академическую базу. После учебы работала в дизайне и верстке газет в Москве и Санкт-Петербурге, оттачивая композицию и ритм.
Возвращение к живописи произошло в 2012 году на курсах Жанны Заграбовой. От строгой графики художница пришла к декоративно-прикладному искусству, начав соединять профессиональные навыки с особым мироощущением. Наступил «морской» период: главным материалом стали старые предметы — крышки от бочек, сундуки, ткацкий станок прабабушки. Из вещей, хранящих энергию прошлого, Евгения создавала корабли и картины, пытаясь выразить внутреннее море.
Первую смелость показать работы зрителю она обрела в 2019 году на выставке в музее «Ависмы». С этого момента начался выставочный взлет: география проектов расширилась от Березников до Москвы и Санкт-Петербурга. Евгения участвовала в выставках «Трын*трава», «Арт-Пермь», «Арт Мир» в Нижнем Новгороде, проекте «Красный угол». В 2024 году состоялась значимая персональная выставка в Центральном выставочном зале Перми.
В 2020 году художница пришла в Березниковский драмтеатр, где прошла путь от столяра до главного художника. Театр стал пространством синтеза живописи и драматургии. Ее работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом. Следующая важная цель — вступление в Союз художников России для новых горизонтов творческого диалога.
Балдина Евгения — художник, чей творческий путь начался не в академических мастерских, а в промышленном городе Березники. В 1998 году она поступила в Нижнетагильский государственный институт на художественно-графический факультет, получив диплом учителя рисования и академическую базу. После учебы работала в дизайне и верстке газет в Москве и Санкт-Петербурге, оттачивая композицию и ритм.
Возвращение к живописи произошло в 2012 году на курсах Жанны Заграбовой. От строгой графики художница пришла к декоративно-прикладному искусству, начав соединять профессиональные навыки с особым мироощущением. Наступил «морской» период: главным материалом стали старые предметы — крышки от бочек, сундуки, ткацкий станок прабабушки. Из вещей, хранящих энергию прошлого, Евгения создавала корабли и картины, пытаясь выразить внутреннее море.
Первую смелость показать работы зрителю она обрела в 2019 году на выставке в музее «Ависмы». С этого момента начался выставочный взлет: география проектов расширилась от Березников до Москвы и Санкт-Петербурга. Евгения участвовала в выставках «Трын*трава», «Арт-Пермь», «Арт Мир» в Нижнем Новгороде, проекте «Красный угол». В 2024 году состоялась значимая персональная выставка в Центральном выставочном зале Перми.
В 2020 году художница пришла в Березниковский драмтеатр, где прошла путь от столяра до главного художника. Театр стал пространством синтеза живописи и драматургии. Ее работы находятся в частных коллекциях России и за рубежом. Следующая важная цель — вступление в Союз художников России для новых горизонтов творческого диалога.
Происхождение: собственность автора
«Я даю второе рождение вещам, которые уже прожили свой век. И мне хочется верить, что на этот раз их жизнь будет вечной.»
Беспалова Светлана
Светлана Беспалова — молодой художник и практикующий стилист. В профессии стилиста она уже семь лет: ведет персональных клиентов, участвует в коммерческих и творческих проектах. Как художник Светлана выступает всего год, но уже нашла свою узнаваемую нишу. Ее картины выполнены в наивном стиле: они позитивны, дарят ощущение спокойствия и хорошо вписываются в интерьер. Главный герой ее работ — цвет, а вспомогательные элементы — цветы и детали одежды, что выдает в авторе пристальный взгляд стилиста. Работы Светланы уже были представлены на выставке «Побочные эффекты повседневности» школы современного искусства «Sun in bun».
Светлана Беспалова — молодой художник и практикующий стилист. В профессии стилиста она уже семь лет: ведет персональных клиентов, участвует в коммерческих и творческих проектах. Как художник Светлана выступает всего год, но уже нашла свою узнаваемую нишу. Ее картины выполнены в наивном стиле: они позитивны, дарят ощущение спокойствия и хорошо вписываются в интерьер. Главный герой ее работ — цвет, а вспомогательные элементы — цветы и детали одежды, что выдает в авторе пристальный взгляд стилиста. Работы Светланы уже были представлены на выставке «Побочные эффекты повседневности» школы современного искусства «Sun in bun».
Происхождение: собственность автора
Триптих "Русские сказки" - серия из трех работ, посвященная сказкам из детства. Это не буквальные иллюстрации, а скорее поэтические фантазии. Особенность работ — в их «игрушечности», наивности, которые так созвучны духу русских сказок. Здесь нет детальной проработки, зато есть энергия мазков, спонтанность композиции, ощущение радости и лёгкости - словно приглашение окунуться в детство, вспомнить атмосферу волшебных историй, где обязательно находится место чуду.
Эти работы - метафоры исполнения желаний, силы духа и искренней любви, которые лежат в основе сказок. Они напоминают о том, что чудеса живут рядом с нами, стоит лишь взглянуть на мир с детским восторгом.
Работы "Пояс" и "Спешу" - представляют собой гармоничное сплетение традиций и современности: здесь элементы классической русской вышивки органично вплетены в эстетику современного образа. Центральным мотивом композиций стали декоративные детали на подоле в картине "Спешу" и поясе на дистихе "Пояс"— их узоры являются художественной интерпретацией орнаментов, которыми украшали «сороки», уникальные головные уборы замужних женщин в русском народном костюме.
Вдохновение для этой серии черпалось во время посещения музея-заповедника в Великом Новгороде — колыбели древнерусской культуры. Именно там, среди экспонатов, отражающих богатство народного творчества, родилась идея переосмыслить наследие предков и представить его в новом, актуальном ключе. Работы становятся не только данью уважения традициям, но и мостом между прошлым и настоящим, напоминая о непреходящей красоте и глубине русской культуры.
Эти работы - метафоры исполнения желаний, силы духа и искренней любви, которые лежат в основе сказок. Они напоминают о том, что чудеса живут рядом с нами, стоит лишь взглянуть на мир с детским восторгом.
Работы "Пояс" и "Спешу" - представляют собой гармоничное сплетение традиций и современности: здесь элементы классической русской вышивки органично вплетены в эстетику современного образа. Центральным мотивом композиций стали декоративные детали на подоле в картине "Спешу" и поясе на дистихе "Пояс"— их узоры являются художественной интерпретацией орнаментов, которыми украшали «сороки», уникальные головные уборы замужних женщин в русском народном костюме.
Вдохновение для этой серии черпалось во время посещения музея-заповедника в Великом Новгороде — колыбели древнерусской культуры. Именно там, среди экспонатов, отражающих богатство народного творчества, родилась идея переосмыслить наследие предков и представить его в новом, актуальном ключе. Работы становятся не только данью уважения традициям, но и мостом между прошлым и настоящим, напоминая о непреходящей красоте и глубине русской культуры.
Воронина Дарья
Художник Дарья Воронина начала свой путь в искусстве в классах старейшей столичной ДХШ им. В. Серова. Затем были лицей декоративно-прикладного искусства им. К. Фаберже и художественно-графический факультет МПГУ. Сегодня она — мастер, вступивший в пору творческой зрелости, в чьих руках спорится самое разное ремесло: лаковая миниатюра и живопись, графика и керамика, фреска и многие другие техники.
За плечами художницы — участие в многочисленных выставках и проектах, в том числе международных. Её произведения находятся в частных и государственных собраниях по всему миру: в Городской картинной галерее Мышкина, Московском Доме Национальностей, Культурном Центре им. Н. Джурковича (Черногория), Доме Джульетты (Италия), музее Дома офицеров флота в Севастополе, доме-музее М. Волошина в Коктебеле, музее «Покровский собор» в Москве, единственном в Европе музее Погребальной культуры в Новосибирске и Доме Пейзажа им. И. Левитана во Владимирской области.
Художник по натуре — человек созерцательный, вечно ищущий себя. Но Дарья Воронина счастливо сочетает в себе дар творца с талантом организатора. Она стала вдохновителем и создателем творческого объединения — Содружества молодых художников и дизайнеров «АРТ-Лаборатория». Вместе с единомышленниками она регулярно проводит неординарные выставки и благотворительные акции. География проектов обширна и разнообразна: это и картинные галереи приволжских городков, и залы старинных московских особняков, и выставочные пространства средневекового города на Адриатике, а также библиотеки, дома культуры и муниципальные центры.
В последние годы художница всё больше концентрируется на образах повседневности и теплых, сокровенных мотивах детских воспоминаний.
Творчество Дарьи Ворониной — яркий пример того, как классическая школа и владение разнообразными техниками перерастают в глубокое, личное высказывание. Её путь — это не только поиск собственного стиля, но и стремление объединить вокруг себя других молодых авторов, создавая живое, дышащее художественное сообщество. Обращаясь к вечным темам детства и повседневности, она находит универсальный язык, понятный зрителю в разных уголках мира. Сегодня Дарья продолжает работать на стыке традиции и современности, наполняя культурное пространство новыми смыслами, проектами и искренним отношением к искусству.
Художник Дарья Воронина начала свой путь в искусстве в классах старейшей столичной ДХШ им. В. Серова. Затем были лицей декоративно-прикладного искусства им. К. Фаберже и художественно-графический факультет МПГУ. Сегодня она — мастер, вступивший в пору творческой зрелости, в чьих руках спорится самое разное ремесло: лаковая миниатюра и живопись, графика и керамика, фреска и многие другие техники.
За плечами художницы — участие в многочисленных выставках и проектах, в том числе международных. Её произведения находятся в частных и государственных собраниях по всему миру: в Городской картинной галерее Мышкина, Московском Доме Национальностей, Культурном Центре им. Н. Джурковича (Черногория), Доме Джульетты (Италия), музее Дома офицеров флота в Севастополе, доме-музее М. Волошина в Коктебеле, музее «Покровский собор» в Москве, единственном в Европе музее Погребальной культуры в Новосибирске и Доме Пейзажа им. И. Левитана во Владимирской области.
Художник по натуре — человек созерцательный, вечно ищущий себя. Но Дарья Воронина счастливо сочетает в себе дар творца с талантом организатора. Она стала вдохновителем и создателем творческого объединения — Содружества молодых художников и дизайнеров «АРТ-Лаборатория». Вместе с единомышленниками она регулярно проводит неординарные выставки и благотворительные акции. География проектов обширна и разнообразна: это и картинные галереи приволжских городков, и залы старинных московских особняков, и выставочные пространства средневекового города на Адриатике, а также библиотеки, дома культуры и муниципальные центры.
В последние годы художница всё больше концентрируется на образах повседневности и теплых, сокровенных мотивах детских воспоминаний.
Творчество Дарьи Ворониной — яркий пример того, как классическая школа и владение разнообразными техниками перерастают в глубокое, личное высказывание. Её путь — это не только поиск собственного стиля, но и стремление объединить вокруг себя других молодых авторов, создавая живое, дышащее художественное сообщество. Обращаясь к вечным темам детства и повседневности, она находит универсальный язык, понятный зрителю в разных уголках мира. Сегодня Дарья продолжает работать на стыке традиции и современности, наполняя культурное пространство новыми смыслами, проектами и искренним отношением к искусству.
Происхождение: собственность автора
Центральный проект — серия «Мое сладкое детство», вдохновленная классиками поп-арта Класом Олденбургом и Уэйном Тибо. Это ностальгически-ироничное высказывание, где советский нарратив встречается с современной реальностью.
«Сгущенка» — культовое лакомство, которое, подобно банке супа Кэмпбелл Уорхола, становится символом демократичного прошлого.
«Лимонад» — образ свежести, легкости и беззаботного лета, когда вся жизнь впереди.
«Мороженое в креманке» — предмет всеобщей мечты, ради которой стояли в очереди. Мечта, которая всегда с тобой.
Другая серия, «Отражения миров», построена на иронии и диалоге культурных кодов, отсылая к игровой эстетике Джеффа Кунса. Сочетая несочетаемое, она обыгрывает мифы общества потребления:
Вафельный стаканчик и орнамент Викторианской эпохи.
Чай в граненом стакане и турецкий орнаментальный фон.
Мандарины в советской хрустальной вазе и марокканской орнамент.
Этим работам присущи яркость, игривость и доля осознанного китча, создающие многомерный визуальный язык.
«Сгущенка» — культовое лакомство, которое, подобно банке супа Кэмпбелл Уорхола, становится символом демократичного прошлого.
«Лимонад» — образ свежести, легкости и беззаботного лета, когда вся жизнь впереди.
«Мороженое в креманке» — предмет всеобщей мечты, ради которой стояли в очереди. Мечта, которая всегда с тобой.
Другая серия, «Отражения миров», построена на иронии и диалоге культурных кодов, отсылая к игровой эстетике Джеффа Кунса. Сочетая несочетаемое, она обыгрывает мифы общества потребления:
Вафельный стаканчик и орнамент Викторианской эпохи.
Чай в граненом стакане и турецкий орнаментальный фон.
Мандарины в советской хрустальной вазе и марокканской орнамент.
Этим работам присущи яркость, игривость и доля осознанного китча, создающие многомерный визуальный язык.
Горина Елена
График, живописец, монументалист
Отец — Иван Петрович Горин, легенда отечественной реставрации, создатель и первый директор Института реставрации (ныне ГосНИИР). Окончила Московский государственный академический художественный институт им. В. И. Сурикова, факультет графики (1979).
Член Московского союза художников, член Союза художников России. Избранные монументальные работы: росписи зала Florida International museum (США) для выставки «Сокровища царей» из музеев Московского Кремля (1994); роспись Храма Святого Николая Чудотворца в Лазаревском (2001, Сочи). Участник выставок с 1978. Участвовала в 85 выставках — молодежных, всесоюзных, республиканских, московских, международных и зарубежных. Провела 18 персональных выставок (в России, Голландии, Италии и США). Работы находятся в собраниях: Московского музея современного искусства (Москва), Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» (Москва), ГЦТМ им. А. А .Бахрушина (Москва), Российской Государственной библиотеки (Москва), Калужского музея изобразительных искусств (Калуга); Музея «Новый Иерусалим» (г. Истра, Московская область), Florida International museum (Санкт-Петербург, США); Фонда Славянской культуры (Нидерланды); в коллекции Михаила Алшибая (Москва), в других частных собраниях в России, Франции, Канаде, США и Японии.
График, живописец, монументалист
Отец — Иван Петрович Горин, легенда отечественной реставрации, создатель и первый директор Института реставрации (ныне ГосНИИР). Окончила Московский государственный академический художественный институт им. В. И. Сурикова, факультет графики (1979).
Член Московского союза художников, член Союза художников России. Избранные монументальные работы: росписи зала Florida International museum (США) для выставки «Сокровища царей» из музеев Московского Кремля (1994); роспись Храма Святого Николая Чудотворца в Лазаревском (2001, Сочи). Участник выставок с 1978. Участвовала в 85 выставках — молодежных, всесоюзных, республиканских, московских, международных и зарубежных. Провела 18 персональных выставок (в России, Голландии, Италии и США). Работы находятся в собраниях: Московского музея современного искусства (Москва), Государственного музейно-выставочного центра «РОСИЗО» (Москва), ГЦТМ им. А. А .Бахрушина (Москва), Российской Государственной библиотеки (Москва), Калужского музея изобразительных искусств (Калуга); Музея «Новый Иерусалим» (г. Истра, Московская область), Florida International museum (Санкт-Петербург, США); Фонда Славянской культуры (Нидерланды); в коллекции Михаила Алшибая (Москва), в других частных собраниях в России, Франции, Канаде, США и Японии.
Происхождение: собственность автора
«Перевал Даван», «Город Северобайкальск», «Портал мысового тоннеля»
— автолитографии и пастель из серии работ из поездки на строительство БАМа в составе творческой бригады.
Из статьи о выставке «Эпоха энтузиастов» в Белгородском государственном художественном музее (очень созвучно настроению, с которым Елена описывала свои поездки туда)
Размах и грандиозность великой стройки ХХ века нельзя оценить лишь по впечатляющей статистике. Без внушительного живописного и графического наследия советских художников, вписавших яркую страницу в историю БАМа, невозможно ощутить дух времени невероятного энтузиазма сотни тысяч молодых людей, покоривших и подчинивших себе суровую сибирскую природу.
Возведение Байкало-Амурской магистрали (БАМ), объявленного в апреле 1974 года Всесоюзной ударной комсомольской стройкой, вызвало небывалое воодушевление среди молодежи страны. Участие в сооружении БАМа стало считаться важнейшей задачей, делом чести всех комсомольских организаций.
В 1970 — 1980-е годы БАМ стал главным трудовым фронтом страны. Молодые люди из всех союзных республик, полные сил и желания работать ехали покорять могучую сибирскую природу, строить новую жизнь, создавать новые города. Их не пугало отсутствие комфорта — жили в тайге в палатках и вагончиках, а тяжелые природные и климатические условия воспринимались суровой романтикой будней. Они с азартом молодости принимали вызов и преодолевали все трудности. Ими двигало не столько желание хорошо заработать, сколько сознание причастности к великому строительству, свершению чего-то грандиозного, а также понимание того, что делают они это для своего ближайшего будущего, в котором есть место любимой работе, росту благосостояния, возможности растить здоровых и счастливых детей.
Из статьи «Художники на БАМе» с портала БАМ50:
Художники БАМа переживали все трудности жизни на магистрали наравне со строителями и первопроходцами, при этом сохраняя вдохновение и силы для творчества. Благодаря работе «художественных десантов» мы можем рассмотреть строительство Байкало-Амурской магистрали во всех трудовых и бытовых подробностях, которые зачастую не передают статичные фотографии.
«Стройка века» стала одной из главных тем официального советского искусства второй половины 1970-х — начала 1980-х годов.
Помимо культурно-просветительской работы художники из творческих бригад должны были запечатлеть подвиг строителей-бамовцев. И в марте 1978 года Министерство культуры СССР совместно с ЦК ВЛКСМ и Союзом художников РСФСР объявили о подготовке республиканской художественной выставки «Мы строим БАМ».
Основными сюжетами «бамовских» картин стали труд, повседневная жизнь и праздники рабочих, индустриальные и природные пейзажи, портреты строителей магистрали.
Еще до начала строительства магистрали в СССР была распространена практика создания «творческих бригад» художников, которые приезжали на комсомольские стройки, предприятия и колхозы для культурной работы с населением и помощи в оформлении наглядной агитации. Во время этих поездок создавалось также большое количество этюдов и зарисовок, изображающих жизнь трудящихся. Нередко художники и сами могли принимать участие в рабочем процессе.
Серия графических работ «Карелия» — «Медвежьегорск. Краны», «Тучка-Ряба», «Озеро» — создана в одной из творческих командировок по заказу Комбината Графического Искусства.
«Красная сосна», «Метель за окном», «Лес во льду» — скорее всего, созданы во время т.н. «заезда» в дом творчества Челюскинская, это эскизы к литографиям/линогравюрам ограниченного тиража, которые находятся в собраниях и фондах музеев РФ. Уникальные самостоятельные произведения.
«Переславль. Большие деревья» — одна из многих работ, созданных с натуры. Переславль — изумительное по своей живописности, художественности место, как в природе, так и в творениях рук человеческих. Поездки в разные годы, как самостоятельно, так и в дом творчества Кардовского, вдохновили на создание нескольких серий. Основным мотивом в последних поездках стало желание сохранить стремительно меняющийся облик старого города с его особенными домами, лодками, настроением, пока сменяющие друг друга поколения не переотремонтировали все на новый лад, добавляя себе так понятных удобств, но также убирая прекрасность неказистости давно не обихаживаемых зданий. Это не было намерением найти заброшенность, это попытка запечатлеть прекрасное в моменте бытия.
Некоторые работы можно отнести к категории «вижу из окна».
«Красная Пресня», «Праздничный день на Красной Пресне» — это впечатления от улицы, мимолетные, при обычных походах в магазин, по дороге к метро, ежедневная рутина и ее окружение.
«Мимолетный дождь», «Город. Метро», «Утренний свет» — это тоже случайные впечатления от города, в котором живешь и передвигаешься, как пешком, так и в транспорте.
«Зимнее небо», «Зимнее небо. Облака», «Синий вечер», «Оранжевый вечер» — впечатления, полученные за чашкой утреннего или вечернего кофе, неожиданные интересные игры света, меняющие форму, способность увидеть интересное в привычном и одинаковом, казалось бы, виде из окна дома.
«Яблочный спас» — это сад Елены, источник вдохновения огромного количества ее работ. Созданный ее же руками, помогал создавать работы уже Елене.
Из статьи И. Неверова о выставке Елены «Мой сад» в галерее Назарова (Липецк):
Елене Ивановне достался в наследство небольшой старинный сад. И она азартно взялась его возделывать. Она мечтала создать пространство, внутри которого не будет рассеянных повсюду флюидов недоброжелательности, ущербности, зависти, боли, чернухи, грязи. А потом встала к мольберту. И под кистью возникли навеянные этим садом мотивы. В сущности, Елена Горина вырастила сад дважды: сперва на земле, затем — на своих картинах.
Вместе с искусствоведом Галереи Назарова Татьяной Нечаевой они так бесхитростно и назвали новую экспозицию: «Мой сад». Естественно, это сразу ассоциируется со знаменитыми, увы, не сбывшимися стихами Марины Цветаевой: «За этот ад, за этот бред пошли мне сад на старость лет».
Сада и бреда в жизни по-прежнему хватает. Но Елена Ивановна плотно закрывает перед ними двери мастерской. Нет, это не бегство от невеселой действительности. Это скорее непоказная, но упорная готовность плыть, грести против течения. В искусстве нашего времени никого уже не шокирует, если кто-то помещает в угрюмом небе позаимствованное из шолоховского «Тихого Дона» черное солнце. А у кого-то над серыми и желтыми безликими городскими высотками парят огромные черные птицы — предвестники близкого разрушения, смерти, конца. Сейчас именно такие настроения взяли верх и в зарубежном, и в отечественном искусстве. Вот чему бесстрашно, но не напоказ противостоит Елена Горина. Даже небольшая горинская картина, на которой все заволокли клубящиеся темно-фиолетовые тучи, называется не «Гроза», не «Ожидание ливня», а «Просвет», потому как в сгущающемся сумраке остается голубая полоска: небо никуда не делось, а то, что его заслоняет, — не вечно, преходяще.
— автолитографии и пастель из серии работ из поездки на строительство БАМа в составе творческой бригады.
Из статьи о выставке «Эпоха энтузиастов» в Белгородском государственном художественном музее (очень созвучно настроению, с которым Елена описывала свои поездки туда)
Размах и грандиозность великой стройки ХХ века нельзя оценить лишь по впечатляющей статистике. Без внушительного живописного и графического наследия советских художников, вписавших яркую страницу в историю БАМа, невозможно ощутить дух времени невероятного энтузиазма сотни тысяч молодых людей, покоривших и подчинивших себе суровую сибирскую природу.
Возведение Байкало-Амурской магистрали (БАМ), объявленного в апреле 1974 года Всесоюзной ударной комсомольской стройкой, вызвало небывалое воодушевление среди молодежи страны. Участие в сооружении БАМа стало считаться важнейшей задачей, делом чести всех комсомольских организаций.
В 1970 — 1980-е годы БАМ стал главным трудовым фронтом страны. Молодые люди из всех союзных республик, полные сил и желания работать ехали покорять могучую сибирскую природу, строить новую жизнь, создавать новые города. Их не пугало отсутствие комфорта — жили в тайге в палатках и вагончиках, а тяжелые природные и климатические условия воспринимались суровой романтикой будней. Они с азартом молодости принимали вызов и преодолевали все трудности. Ими двигало не столько желание хорошо заработать, сколько сознание причастности к великому строительству, свершению чего-то грандиозного, а также понимание того, что делают они это для своего ближайшего будущего, в котором есть место любимой работе, росту благосостояния, возможности растить здоровых и счастливых детей.
Из статьи «Художники на БАМе» с портала БАМ50:
Художники БАМа переживали все трудности жизни на магистрали наравне со строителями и первопроходцами, при этом сохраняя вдохновение и силы для творчества. Благодаря работе «художественных десантов» мы можем рассмотреть строительство Байкало-Амурской магистрали во всех трудовых и бытовых подробностях, которые зачастую не передают статичные фотографии.
«Стройка века» стала одной из главных тем официального советского искусства второй половины 1970-х — начала 1980-х годов.
Помимо культурно-просветительской работы художники из творческих бригад должны были запечатлеть подвиг строителей-бамовцев. И в марте 1978 года Министерство культуры СССР совместно с ЦК ВЛКСМ и Союзом художников РСФСР объявили о подготовке республиканской художественной выставки «Мы строим БАМ».
Основными сюжетами «бамовских» картин стали труд, повседневная жизнь и праздники рабочих, индустриальные и природные пейзажи, портреты строителей магистрали.
Еще до начала строительства магистрали в СССР была распространена практика создания «творческих бригад» художников, которые приезжали на комсомольские стройки, предприятия и колхозы для культурной работы с населением и помощи в оформлении наглядной агитации. Во время этих поездок создавалось также большое количество этюдов и зарисовок, изображающих жизнь трудящихся. Нередко художники и сами могли принимать участие в рабочем процессе.
Серия графических работ «Карелия» — «Медвежьегорск. Краны», «Тучка-Ряба», «Озеро» — создана в одной из творческих командировок по заказу Комбината Графического Искусства.
«Красная сосна», «Метель за окном», «Лес во льду» — скорее всего, созданы во время т.н. «заезда» в дом творчества Челюскинская, это эскизы к литографиям/линогравюрам ограниченного тиража, которые находятся в собраниях и фондах музеев РФ. Уникальные самостоятельные произведения.
«Переславль. Большие деревья» — одна из многих работ, созданных с натуры. Переславль — изумительное по своей живописности, художественности место, как в природе, так и в творениях рук человеческих. Поездки в разные годы, как самостоятельно, так и в дом творчества Кардовского, вдохновили на создание нескольких серий. Основным мотивом в последних поездках стало желание сохранить стремительно меняющийся облик старого города с его особенными домами, лодками, настроением, пока сменяющие друг друга поколения не переотремонтировали все на новый лад, добавляя себе так понятных удобств, но также убирая прекрасность неказистости давно не обихаживаемых зданий. Это не было намерением найти заброшенность, это попытка запечатлеть прекрасное в моменте бытия.
Некоторые работы можно отнести к категории «вижу из окна».
«Красная Пресня», «Праздничный день на Красной Пресне» — это впечатления от улицы, мимолетные, при обычных походах в магазин, по дороге к метро, ежедневная рутина и ее окружение.
«Мимолетный дождь», «Город. Метро», «Утренний свет» — это тоже случайные впечатления от города, в котором живешь и передвигаешься, как пешком, так и в транспорте.
«Зимнее небо», «Зимнее небо. Облака», «Синий вечер», «Оранжевый вечер» — впечатления, полученные за чашкой утреннего или вечернего кофе, неожиданные интересные игры света, меняющие форму, способность увидеть интересное в привычном и одинаковом, казалось бы, виде из окна дома.
«Яблочный спас» — это сад Елены, источник вдохновения огромного количества ее работ. Созданный ее же руками, помогал создавать работы уже Елене.
Из статьи И. Неверова о выставке Елены «Мой сад» в галерее Назарова (Липецк):
Елене Ивановне достался в наследство небольшой старинный сад. И она азартно взялась его возделывать. Она мечтала создать пространство, внутри которого не будет рассеянных повсюду флюидов недоброжелательности, ущербности, зависти, боли, чернухи, грязи. А потом встала к мольберту. И под кистью возникли навеянные этим садом мотивы. В сущности, Елена Горина вырастила сад дважды: сперва на земле, затем — на своих картинах.
Вместе с искусствоведом Галереи Назарова Татьяной Нечаевой они так бесхитростно и назвали новую экспозицию: «Мой сад». Естественно, это сразу ассоциируется со знаменитыми, увы, не сбывшимися стихами Марины Цветаевой: «За этот ад, за этот бред пошли мне сад на старость лет».
Сада и бреда в жизни по-прежнему хватает. Но Елена Ивановна плотно закрывает перед ними двери мастерской. Нет, это не бегство от невеселой действительности. Это скорее непоказная, но упорная готовность плыть, грести против течения. В искусстве нашего времени никого уже не шокирует, если кто-то помещает в угрюмом небе позаимствованное из шолоховского «Тихого Дона» черное солнце. А у кого-то над серыми и желтыми безликими городскими высотками парят огромные черные птицы — предвестники близкого разрушения, смерти, конца. Сейчас именно такие настроения взяли верх и в зарубежном, и в отечественном искусстве. Вот чему бесстрашно, но не напоказ противостоит Елена Горина. Даже небольшая горинская картина, на которой все заволокли клубящиеся темно-фиолетовые тучи, называется не «Гроза», не «Ожидание ливня», а «Просвет», потому как в сгущающемся сумраке остается голубая полоска: небо никуда не делось, а то, что его заслоняет, — не вечно, преходяще.
Метельская Диана
Диана Метельская художник из Сибири, город Красноярск. Родилась и выросла в Красноярском крае. Метод работы в демонстрации хрупкой, но сильной красоты русской северной природы, через передачу фактуры и создании выразительных текстур цементом, от части природным материалом, с элементами техники пастозной живописи. На данном этапе творчества занимается изучением Тундры, северного уголка России. Этот край суровый, с сильной жизнью, с ежедневной борьбой со стихией, для Дианы именно сибиряки отождествляются с этим регионом. Он олицетворяет сибирскую душу - суровую, бескрайнюю, не просто выжившую в том месте куда ссылали людей, но и не понаслышке трудолюбивую, богатейшую, и безусловно щедрую. Сибирь - это ее Родина.
Диана Метельская художник из Сибири, город Красноярск. Родилась и выросла в Красноярском крае. Метод работы в демонстрации хрупкой, но сильной красоты русской северной природы, через передачу фактуры и создании выразительных текстур цементом, от части природным материалом, с элементами техники пастозной живописи. На данном этапе творчества занимается изучением Тундры, северного уголка России. Этот край суровый, с сильной жизнью, с ежедневной борьбой со стихией, для Дианы именно сибиряки отождествляются с этим регионом. Он олицетворяет сибирскую душу - суровую, бескрайнюю, не просто выжившую в том месте куда ссылали людей, но и не понаслышке трудолюбивую, богатейшую, и безусловно щедрую. Сибирь - это ее Родина.
Происхождение: собственность автора
Тундра это необычайный район с суровым климатом, огромная территория на которую можно добраться только водным путем или воздушным транспортом. Природа севера уникальна тем что может выжить в этих экстремальных условиях. Эти виды, многим недоступны поэтому цель проекта обратить внимание зрителя на Тундру нашей страны, для того чтобы преодолеть территориальную отстраненность и сократить когнитивную дистанцию. В следствии территориальной отстраненности люди могут не ощущать непосредственной угрозы или связи с проблемой, если она происходит далеко. При когнитивной дистанции человеку трудно осознать, понять или почувствовать реальность проблемы, когда она находится далеко. Отсутствие непосредственного опыта или визуального подтверждения делает проблему абстрактной и менее значимой. Мой проект направлен преодоление этого территориального барьера. Зритель может пройти свой «путь» по Тундре.
Паукова Наталья
Паукова Наталья Юрьевна (1967г.) , г. Ростов-на- Дону, член ТСХР, СХР
Участник многих групповых и персональных выставок, в 2024 закончила магистратуру ЮФУ, руководитель изостудии "Вдохновение". Творческий подход к работам, это создание фигуративных картин с наполнением смысла бытия человека, отношения между людьми, создание духовного мира ощущения.
Паукова Наталья Юрьевна (1967г.) , г. Ростов-на- Дону, член ТСХР, СХР
Участник многих групповых и персональных выставок, в 2024 закончила магистратуру ЮФУ, руководитель изостудии "Вдохновение". Творческий подход к работам, это создание фигуративных картин с наполнением смысла бытия человека, отношения между людьми, создание духовного мира ощущения.
Происхождение: собственность автора
Картины из коллекции "Счастливые люди". Картины написаны в стиле фигуративной живописи, наполнены смыслом жизни человека в моменте, когда мы проживаем и наполняем себя бытием, тем чем занимаемся, что любим и что делаем. Всё хорошее в наших поступках и мыслях, создаёт хорошее в жизни человека, тепло души согревает близких и скрепляет дружбу. Безусловная любовь притягивает к нам любимых.
Просвиркина Влада
Влада Просвиркина — профессиональный художник-график и арт-куратор с многолетним опытом в сфере современного искусства, рекламы и PR. Работает в авторской технике, создавая графические произведения гелевыми ручками на крафт-бумаге. Ее работы участвуют в коллективных выставках по всей России, включая Москву, а также находятся в частных коллекциях в стране и за рубежом. На счету художницы — семь персональных выставок. Она является членом Творческого Союза Художников декоративно-прикладного искусства (ДПИ). Более 15 лет Влада работала в рекламной сфере, занимая руководящие должности в крупных производственных компаниях. С 2012 по 2021 год она занимала позицию арт-директора в Международном фонде искусств им. С.Д. Эрьзи, где курировала выставочные проекты, организовывала участие фонда в российских и международных выставках, а также занималась продвижением его деятельности. Сфера ее профессиональных интересов включает графику, ДПИ, кураторство, галерейный менеджмент, рекламу и PR. Сочетая художественную практику с организационной работой, Влада Просвиркина активно способствует развитию современного искусства, создавая и продвигая значимые творческие проекты.
Влада Просвиркина — профессиональный художник-график и арт-куратор с многолетним опытом в сфере современного искусства, рекламы и PR. Работает в авторской технике, создавая графические произведения гелевыми ручками на крафт-бумаге. Ее работы участвуют в коллективных выставках по всей России, включая Москву, а также находятся в частных коллекциях в стране и за рубежом. На счету художницы — семь персональных выставок. Она является членом Творческого Союза Художников декоративно-прикладного искусства (ДПИ). Более 15 лет Влада работала в рекламной сфере, занимая руководящие должности в крупных производственных компаниях. С 2012 по 2021 год она занимала позицию арт-директора в Международном фонде искусств им. С.Д. Эрьзи, где курировала выставочные проекты, организовывала участие фонда в российских и международных выставках, а также занималась продвижением его деятельности. Сфера ее профессиональных интересов включает графику, ДПИ, кураторство, галерейный менеджмент, рекламу и PR. Сочетая художественную практику с организационной работой, Влада Просвиркина активно способствует развитию современного искусства, создавая и продвигая значимые творческие проекты.
Происхождение: собственность автора
Пилюгин Михаил
Член ВТОО «Союза художников России», МОСХ, Творческого Союза художников России, правления Творческого объединения современных художников, Тушинского товарищества художников. Пилюгин Михаил Михайлович. 1958 г. рождения. Живёт и работает в г. Москве. Окончил МХПУ им. М.И. Калинина. С 1982 г. активный участник областных, региональных, всероссийских, международных художественных выставок и пленэров. Награжден серебряной медалью Союза художников России «Духовность, традиции, мастерство», благодарностью Российской академии художеств, благодарностью Московской городской думы, комитета Государственной Думы по образованию и науке. Произведения М. М. Пилюгина хранятся в собраниях научно-исследовательского музея при Российской академии художеств. (г. Москва), музея истории г. Обнинска, Липецкого областного художественного музея, Малоярославецкого МВЦ им. И.А. Солдатёнкова, картинной галереи им. Е.А. Чернявской, музея пейзажа им. И.И. Левитана д. Елисейково Владимирской области, Ставропольской картинной галереи им П.М. Гречишкина, в частных коллекциях России, Украины, Италии, Франции, США.
Член ВТОО «Союза художников России», МОСХ, Творческого Союза художников России, правления Творческого объединения современных художников, Тушинского товарищества художников. Пилюгин Михаил Михайлович. 1958 г. рождения. Живёт и работает в г. Москве. Окончил МХПУ им. М.И. Калинина. С 1982 г. активный участник областных, региональных, всероссийских, международных художественных выставок и пленэров. Награжден серебряной медалью Союза художников России «Духовность, традиции, мастерство», благодарностью Российской академии художеств, благодарностью Московской городской думы, комитета Государственной Думы по образованию и науке. Произведения М. М. Пилюгина хранятся в собраниях научно-исследовательского музея при Российской академии художеств. (г. Москва), музея истории г. Обнинска, Липецкого областного художественного музея, Малоярославецкого МВЦ им. И.А. Солдатёнкова, картинной галереи им. Е.А. Чернявской, музея пейзажа им. И.И. Левитана д. Елисейково Владимирской области, Ставропольской картинной галереи им П.М. Гречишкина, в частных коллекциях России, Украины, Италии, Франции, США.
Происхождение: собственность автора
Резанова Ольга
Современный московский художник.
В 1992 г. окончила МПГУ художественно – графический факультет.
В 1995 окончила аспирантуру Московского Открытого Университета ХГФ.
В 2001 г. открыла мастерскую по изготовлению неоновых изделий «НЕОН.РФ».
В своих работах комбинирует живопись мастихином на холсте с неоновыми, стеклянными
светящимися газосветными лампами. В своих неоновых инсталляциях и скульптурах
экспериментирует с неоновыми световыми эффектами.
Член Творческого Союза Художников России.
Член международной ассоциации художников по стеклу «Glass Art Society»
Современный московский художник.
В 1992 г. окончила МПГУ художественно – графический факультет.
В 1995 окончила аспирантуру Московского Открытого Университета ХГФ.
В 2001 г. открыла мастерскую по изготовлению неоновых изделий «НЕОН.РФ».
В своих работах комбинирует живопись мастихином на холсте с неоновыми, стеклянными
светящимися газосветными лампами. В своих неоновых инсталляциях и скульптурах
экспериментирует с неоновыми световыми эффектами.
Член Творческого Союза Художников России.
Член международной ассоциации художников по стеклу «Glass Art Society»
Происхождение: собственность автора
В серии работ Резановой Ольги «Вышивка» стеклянный контур неоновых светящихся газосветных ламп изящно воспроизводит абрис традиционной русской народной вышивки, создавая уникальный диалог между современными материалами и декоративно- прикладными ремеслами. В своих произведениях автор глубоко исследует семантику знаков, что позволяет раскрыть многослойность культурных символов. Неоновые блики, отражаясь на холсте, создают эффект имитации ткани ручного ткачества, подчеркивая взаимосвязь между различными художественными техниками. Таким образом, автор стремиться переосмыслить традиционные формы искусства, привнося в них элементы современности и инноваций.
Рейнская Александра
Рейнская Александра (Гиззатуллина Александра Владимировна) художник авторского текстиля и бренд- дизайнер.
Родилась в 22.06.1995 году в городе Самара.
В 2017 году закончила Самарский институт культуры по направлению “Декоративное искусство”.
С 2015 года и по настоящее время занимается созданием гобеленов по собственным эскизам в технике ручного ткачества.
С 2015 года активно участвует в выставках и симпозиумах по направлению - авторский текстиль.
Все искусство вдохновлено природой, человеком и отношениями между людьми А так же русским религиозным искусством.
Рейнская Александра (Гиззатуллина Александра Владимировна) художник авторского текстиля и бренд- дизайнер.
Родилась в 22.06.1995 году в городе Самара.
В 2017 году закончила Самарский институт культуры по направлению “Декоративное искусство”.
С 2015 года и по настоящее время занимается созданием гобеленов по собственным эскизам в технике ручного ткачества.
С 2015 года активно участвует в выставках и симпозиумах по направлению - авторский текстиль.
Все искусство вдохновлено природой, человеком и отношениями между людьми А так же русским религиозным искусством.
Происхождение: собственность автора
Основой для творческого проекта являются рассказы писателя ХХ века - Василия Шукшина. Описание природы, русской деревни, быта простых людей, их настроение и сила духа вдохновили автора на создание данной работы. В природе человек находит вдохновение и силы, радость и утешение спокойствие и гармонию - так необходимую ему в современном мире. Именно на ней делается акцент, раскрывается атмосфера и суть. Через технику ручного ткачества, с применением современных материалов, мне хотелось создать параллель между двумя мирами: миром человека ХХ века, гармонии с природой и миром человека ХХI века, городского жителя, синтетического сырья.
Румянцев Пётр
Петр Румянцев — художник и ремесленник, чья практика лежит на пересечении традиционного ремесла, исследования материала и исторического диалога. Академическое образование в области химии и технологии позволяет ему подходить к работе со свежей древесиной не только как ремесленнику, но и как исследователю — экспериментировать с деформацией геометрии изделий и поведением «живого» материала.
Петр Румянцев — художник и ремесленник, чья практика лежит на пересечении традиционного ремесла, исследования материала и исторического диалога. Академическое образование в области химии и технологии позволяет ему подходить к работе со свежей древесиной не только как ремесленнику, но и как исследователю — экспериментировать с деформацией геометрии изделий и поведением «живого» материала.
Происхождение: собственность автора
В центре внимания Петра — многовековая история деревянной посуды как неизменного спутника человека в быту. В своей практике Румянцев адаптирует эту традицию к современному контексту, переосмысливая форму и функционал привычных предметов. Ключевой принцип его работы — полный цикл создания: от самостоятельной заготовки материала в лесу, что дает глубокое понимание и уважение к ресурсу, до финальной обработки ручным инструментом. Цель мастера — создание предметов, несущих в себе традиции, ручной труд и тесный контакт как с материалом, так и с его источником.
Слуцкая Ирина
Художник-живописец, родилась в 2000 году в Белгороде. С 2009 по 2013 годы обучалась в Детской художественной школе Белгорода. В 2017 году окончила Воронежское художественное училище им. Н. Н. Ге, а в 2023 году — Белгородский государственный национальный исследовательский университет по направлению «Изобразительное искусство». Работает в живописи, исследуя пространство, свет и эмоциональные состояния среды. В художественной практике соединяет элементы экспрессионизма, символизма и сюрреалистической образности. Техника многослойности, имприматуры и глубоких тональных переходов позволяет ей создавать работы, в которых важны не столько внешние формы, сколько внутренние состояния пространства. Ключевыми темами становятся фрагментарность восприятия, границы между реальным и переживаемым, тишина и движение внутри архитектурной или природной среды. В своих произведениях художница стремится передать не буквальность мотива, а атмосферу, эмоциональную плотность и хрупкость момента. Победитель всероссийских и региональных конкурсов. Участвовала в выставочных проектах в Белгороде, Тольятти и Москве. Работы находятся в частных коллекциях России и Белоруссии. Живёт и работает в Белгороде.
Художник-живописец, родилась в 2000 году в Белгороде. С 2009 по 2013 годы обучалась в Детской художественной школе Белгорода. В 2017 году окончила Воронежское художественное училище им. Н. Н. Ге, а в 2023 году — Белгородский государственный национальный исследовательский университет по направлению «Изобразительное искусство». Работает в живописи, исследуя пространство, свет и эмоциональные состояния среды. В художественной практике соединяет элементы экспрессионизма, символизма и сюрреалистической образности. Техника многослойности, имприматуры и глубоких тональных переходов позволяет ей создавать работы, в которых важны не столько внешние формы, сколько внутренние состояния пространства. Ключевыми темами становятся фрагментарность восприятия, границы между реальным и переживаемым, тишина и движение внутри архитектурной или природной среды. В своих произведениях художница стремится передать не буквальность мотива, а атмосферу, эмоциональную плотность и хрупкость момента. Победитель всероссийских и региональных конкурсов. Участвовала в выставочных проектах в Белгороде, Тольятти и Москве. Работы находятся в частных коллекциях России и Белоруссии. Живёт и работает в Белгороде.
Происхождение: собственность автора
«НА ВОСХОДЕ»
Утренний пейзаж Белгорода становится пространством начала и внутреннего собирания. Город наполнен тишиной, свет только начинает структурировать пространство. Силуэт молодого человека — часть городской ткани, свидетельство присутствия человека внутри пробуждающегося пейзажа. Цветовая палитра строится на диалоге жёлтых и охристых тонов с холодными синими вкраплениями. Мозаичное письмо передает ощущение движения света: форма собирается из фрагментов, переходя от разрозненности к целостности.
«ОСКОЛКИ 2016»
Из серии «Следы в пейзаже», 2025
Воронеж таким, каким запомнился в годы взросления — с жёлто-сиреневой атмосферой, наполненной контрастами. В композиции три знаковых места: здание цирка как метафора жизни-«цирка», обшарпанное здание с граффити как напоминание о теневой стороне городской красоты, эскалатор в ТЦ как символ цикличности движения по кругу. Городской пейзаж становится пространством личных воспоминаний, где каждая деталь отражает внутренний путь.
«ПОД ЗНАКОМ НЕБА»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Город с высоты — как пространство открытого горизонта. Фигура Князя Владимира, обращённая к небу, становится символом жеста, направленного за пределы повседневности. Абстрактные линии и красные акценты формируют эмоциональный слой, накладываясь на реальность как след присутствия. Работа о высоте как состоянии: когда город, история и личное переживание совпадают в одной точке горизонта.
«ТРАЕКТОРИЯ РАЗГОВОРА»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Городской пейзаж как пространство движения — физического и внутреннего. Фигура, идущая по улице, задаёт ритм композиции. Абстрактные линии формируют траектории беседы — спиралевидные и пересекающиеся, как поток слов. Красные акценты становятся точками эмоционального всплеска. Работа фиксирует состояние лёгкости после насыщенного диалога, когда город кажется светлее.
«ГДЕ ТЕЛО ПОМНИТ РАНЬШЕ МЕНЯ»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Обращение к ранней, дорефлексивной памяти — той, что формируется через телесный опыт. Пространство родительского дома как первичная точка безопасности. Пейзаж размыт, как воспоминание, которое невозможно восстановить полностью. Абстрактные линии — следы движений, импульсы нервной памяти. Красные акценты — точки, где опыт особенно остро отпечатался в теле.
«ЗДЕСЬ МОЖНО ОСТАТЬСЯ»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Дом не как данность, а как осознанный выбор. Двор с деревьями — пространство совместного присутствия. Пейзаж собран, формы устойчивы, цветовая среда мягче. Плавные линии — движение к покою, красный круг — символ живого центра, тепла. Работа про процесс освоения тишины, в которой не нужно быть настороже.
«МЕЖДУ»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Состояние перехода. Дорога как само состояние «между»: между прошлым и будущим, между домами. Фигура машины подчёркивает движение без гарантий прибытия. Абстракция наиболее напряжённая: ломаные линии — сомнение и поиск, красная точка — пульс живого присутствия в неопределённости. Опора не в пространстве, а в самом движении.
«НА ЗАКАТЕ»
2026.
Здесь нет опоры в пространстве — опорой становится само движение.
Утренний пейзаж Белгорода становится пространством начала и внутреннего собирания. Город наполнен тишиной, свет только начинает структурировать пространство. Силуэт молодого человека — часть городской ткани, свидетельство присутствия человека внутри пробуждающегося пейзажа. Цветовая палитра строится на диалоге жёлтых и охристых тонов с холодными синими вкраплениями. Мозаичное письмо передает ощущение движения света: форма собирается из фрагментов, переходя от разрозненности к целостности.
«ОСКОЛКИ 2016»
Из серии «Следы в пейзаже», 2025
Воронеж таким, каким запомнился в годы взросления — с жёлто-сиреневой атмосферой, наполненной контрастами. В композиции три знаковых места: здание цирка как метафора жизни-«цирка», обшарпанное здание с граффити как напоминание о теневой стороне городской красоты, эскалатор в ТЦ как символ цикличности движения по кругу. Городской пейзаж становится пространством личных воспоминаний, где каждая деталь отражает внутренний путь.
«ПОД ЗНАКОМ НЕБА»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Город с высоты — как пространство открытого горизонта. Фигура Князя Владимира, обращённая к небу, становится символом жеста, направленного за пределы повседневности. Абстрактные линии и красные акценты формируют эмоциональный слой, накладываясь на реальность как след присутствия. Работа о высоте как состоянии: когда город, история и личное переживание совпадают в одной точке горизонта.
«ТРАЕКТОРИЯ РАЗГОВОРА»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Городской пейзаж как пространство движения — физического и внутреннего. Фигура, идущая по улице, задаёт ритм композиции. Абстрактные линии формируют траектории беседы — спиралевидные и пересекающиеся, как поток слов. Красные акценты становятся точками эмоционального всплеска. Работа фиксирует состояние лёгкости после насыщенного диалога, когда город кажется светлее.
«ГДЕ ТЕЛО ПОМНИТ РАНЬШЕ МЕНЯ»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Обращение к ранней, дорефлексивной памяти — той, что формируется через телесный опыт. Пространство родительского дома как первичная точка безопасности. Пейзаж размыт, как воспоминание, которое невозможно восстановить полностью. Абстрактные линии — следы движений, импульсы нервной памяти. Красные акценты — точки, где опыт особенно остро отпечатался в теле.
«ЗДЕСЬ МОЖНО ОСТАТЬСЯ»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Дом не как данность, а как осознанный выбор. Двор с деревьями — пространство совместного присутствия. Пейзаж собран, формы устойчивы, цветовая среда мягче. Плавные линии — движение к покою, красный круг — символ живого центра, тепла. Работа про процесс освоения тишины, в которой не нужно быть настороже.
«МЕЖДУ»
Из серии «Внутренние адреса», 2026
Состояние перехода. Дорога как само состояние «между»: между прошлым и будущим, между домами. Фигура машины подчёркивает движение без гарантий прибытия. Абстракция наиболее напряжённая: ломаные линии — сомнение и поиск, красная точка — пульс живого присутствия в неопределённости. Опора не в пространстве, а в самом движении.
«НА ЗАКАТЕ»
2026.
Здесь нет опоры в пространстве — опорой становится само движение.
Солдатов Владимир
Заслуженный художник РФ, сценограф, график. Главный художник театра «СФЕРА», автор сценографии более 50 спектаклей. Член правления МСХ и Ассоциации художников театра, кино и телевидения.
Участник московских, всероссийских и международных выставок. Провел 6 персональных выставок в Москве. Работы хранятся в коллекциях Cité des Arts (Париж), Театрального музея им. Бахрушина, частных собраниях России и за рубежом.
Автор проектов: роспись залов Florida International Museum (США), храма в Лазаревском (в соавторстве), здания театра «СФЕРА». Преподает в ГИТР, публикуется в профессиональных изданиях, участвует в теле- и радиопрограммах.
Награждён золотой медалью им. Ломоносова, медалью МСХ, дипломами Международной конфедерации союзов художников.
Заслуженный художник РФ, сценограф, график. Главный художник театра «СФЕРА», автор сценографии более 50 спектаклей. Член правления МСХ и Ассоциации художников театра, кино и телевидения.
Участник московских, всероссийских и международных выставок. Провел 6 персональных выставок в Москве. Работы хранятся в коллекциях Cité des Arts (Париж), Театрального музея им. Бахрушина, частных собраниях России и за рубежом.
Автор проектов: роспись залов Florida International Museum (США), храма в Лазаревском (в соавторстве), здания театра «СФЕРА». Преподает в ГИТР, публикуется в профессиональных изданиях, участвует в теле- и радиопрограммах.
Награждён золотой медалью им. Ломоносова, медалью МСХ, дипломами Международной конфедерации союзов художников.
Происхождение: собственность автора
Трусевич Юрий
Родился в Москве 17 февраля 1942 года.
В 1966 г. окончил художественно-графический факультет Московского Государственного педагогического института.
Ученик В.П. Ефанова, Ф.П. Решетникова, Г.Г. Ряжского, И.М. Гурвича.
С 1969 года начал участвовать в молодежных выставках.
С 1974 года — участник Московских и Всесоюзных выставок.
С 1964 по 80-е годы работал в книжной и станковой графике в фирме «Мелодия», издательстве «Молодая гвардия» и АПН.
С 1968 года работал художником-постановщиком на Центральном телевидении над циклом передач «А ну-ка, парни», «От всей души», «КВН», «А, ну-ка, девушки», а также над телепостановками в детской, литературной драматической и молодежной редакциях ЦТ СССР.
С 1983 года — член Московской организации Союза художников РСФСР.
В 1985 года персональная выставка в залах МСХ на ул. Вавилова. Участвует в выставках городского и республиканского значения, аукционе в Париже в 1990 году, выставках-аукционах художников кино и телевидения.
Работы находятся в частных собраниях коллекционеров России, Бельгии, Франции, Германии.
С 2001 года работает в ДХШ имени В.А. Серова.
Преподает живопись, рисунок, композицию.
Родился в Москве 17 февраля 1942 года.
В 1966 г. окончил художественно-графический факультет Московского Государственного педагогического института.
Ученик В.П. Ефанова, Ф.П. Решетникова, Г.Г. Ряжского, И.М. Гурвича.
С 1969 года начал участвовать в молодежных выставках.
С 1974 года — участник Московских и Всесоюзных выставок.
С 1964 по 80-е годы работал в книжной и станковой графике в фирме «Мелодия», издательстве «Молодая гвардия» и АПН.
С 1968 года работал художником-постановщиком на Центральном телевидении над циклом передач «А ну-ка, парни», «От всей души», «КВН», «А, ну-ка, девушки», а также над телепостановками в детской, литературной драматической и молодежной редакциях ЦТ СССР.
С 1983 года — член Московской организации Союза художников РСФСР.
В 1985 года персональная выставка в залах МСХ на ул. Вавилова. Участвует в выставках городского и республиканского значения, аукционе в Париже в 1990 году, выставках-аукционах художников кино и телевидения.
Работы находятся в частных собраниях коллекционеров России, Бельгии, Франции, Германии.
С 2001 года работает в ДХШ имени В.А. Серова.
Преподает живопись, рисунок, композицию.
Происхождение: собственность автора
Цэрнэ Донна
Живописец. Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова при Российской академии художеств 2015 - 2016
• Художник-рестовратор. Российская Академия Живописи Ваяния и Зодчества Ильи Глазунова 2016 - 2022
• Аспирант кафедры ЮНЕСКО Российская академия народного хозяйства и государственной службы при Президенте Российской Федерации 2022 - 2024
Выставки:
• BLAZAR 2024
• a-s-t-r-a open vol.5 2024
• Московская неделя интерьера и дизайна в ЦВЗ Манеж 2024
• «Красная книга» НГХМ | ИСКУССТВО XX ВЕКА 2025
• «Тираж» SEPTEMAS 2025
Живописец. Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова при Российской академии художеств 2015 - 2016
• Художник-рестовратор. Российская Академия Живописи Ваяния и Зодчества Ильи Глазунова 2016 - 2022
• Аспирант кафедры ЮНЕСКО Российская академия народного хозяйства и государственной службы при Президенте Российской Федерации 2022 - 2024
Выставки:
• BLAZAR 2024
• a-s-t-r-a open vol.5 2024
• Московская неделя интерьера и дизайна в ЦВЗ Манеж 2024
• «Красная книга» НГХМ | ИСКУССТВО XX ВЕКА 2025
• «Тираж» SEPTEMAS 2025
Происхождение: собственность автора
Картины Донны — это соединение личной памяти с коллективным прошлым. Надписи на них звучат как трогательные послания в будущее и одновременно как эхо из советского времени. «Если бы не было СССР, не было бы и меня», — говорит Донна. Её родители, выходцы из разных республик, встретились благодаря стране, которая их объединила. Изображённые на красном фоне предметы становятся почти символами, отсылающими к корням семьи. Самовар — настоящая реликвия, принадлежавшая бабушке её молодого человека. На нём выгравировано: «26 съезд КПСС». Он будто впитал дух эпохи и теперь напоминает: каждый новый день становится фундаментом завтрашнего. Бутылка вина — отсылка к Молдавии, где Донна родилась. «Не будь ко мне жестоко», — написано на этикетке. В этих словах и память о детстве, и легкая грусть по несбывшимся ожиданиям. Эта серия напоминает о важности связи с прошлым, о важности личной историю внутри глобальной, она про взгляд на мир, в котором важно помнить, откуда ты, чтобы понимать, куда ты идешь.
©2025, Россия, г. Москва, Велазаводская 11/1
Арт-кластер Андрея Тыртышникова
Арт-кластер Андрея Тыртышникова